Serge Prokofieff: Violinkonzerte Nr.1 & 2 (UHQ-CD)

Ein wahrer Glücksfall: „The Lost Recordings“ haben in Potsdam die Originalbänder von Prokofjews beiden Violinkonzerten gefunden. Das Berliner Sinfonie-Orchester wurde von Kurt Sanderling dirigiert. Das 1965 aufgenommene „Konzert Nr. 2“ wurde bisher noch nie veröffentlicht. Schostakowitschs „Konzert Nr. 1“, gespielt von Oistrach auf dem Höhepunkt seiner Virtuosität unter der Leitung des großen Jewgeni Mrawinski, ist bisher noch nie auf Vinyl erschienen. Kurt Sanderling dirigierte an der Spitze des Berliner Sinfonie-Orchesters Prokofjews beide Konzerte öffentlich. Das erste wurde am 19. April 1971 an der Deutschen Staatsoper in Berlin aufgeführt, das zweite am 8. März 1965 im Metropol-Theater in Berlin. Sanderling wurde für seine musikalische Integrität und seine kraftvolle Dirigierkunst bewundert. Im Jahr 1960, nach einer von verschiedenen tragischen Ereignissen überschatteten Karriere, fand er sich in Ostdeutschland wieder. Der jüdische Dirigent floh 1936 aus Deutschland, als die Nürnberger Rassengesetze erlassen wurden, und suchte zunächst in Moskau und dann in Leningrad Zuflucht als Assistent von Jewgeni Mrawinski. Oistrach und Sanderling kannten sich bereits seit Jahrzehnten, als diese Aufnahmen entstanden; ihre persönlichen und beruflichen Bindungen waren eng.

Prokofjews „Konzert Nr. 1“ ist eines der innovativsten Werke des 20. Jahrhunderts. Es entstand zwischen 1915 und 1917 und wurde 1923 in Paris uraufgeführt. Das Andantino entfaltet sich düster, mit einer nostalgischen Violine, die ein ätherisches, fast unwirkliches Thema anführt. Prokofjew sagte, dieser Satz solle gespielt werden, „als müsse jemand von etwas überzeugt werden“. Oistrach spielt, wie ein Elf, der aus einem extrem dichten, dunklen Wald hervortritt, mit der gesamten Klangpalette – leidenschaftlich, ungeduldig, majestätisch und temperamentvoll zugleich. Der zweite Satz, das Scherzo vivacissimo, kann als das wilde Element dieses Konzerts betrachtet werden. Es ist ein genialer Wirbelwind voller Violinvirtuosität, den Oistrach mühelos meistert. Der dritte und letzte Satz ist zugleich lyrisch und intensiv. Die Violine wechselt zwischen zwei Rollen, der des Solisten und der des Begleiters. Oistrakhs Spiel, frei von Manierismen, ist rein und doch sinnlich; seine erdverbundene Qualität ist unerlässlich, um das Orchester einzufangen, das allmählich sanft verklingt, so jenseitig wie der erste Satz.

Das 1935 uraufgeführte „Konzert Nr. 2“ ist ganz anders. Es ist nicht nur klassischer als das erste, sondern auch dramatischer. Die Violine führt allein das düstere, lyrische Thema des Satzes ein, das von traditioneller russischer Folklore inspiriert ist. Oistrach scheint die tiefsten Tiefen seiner innersten Seele zu erforschen. Lange, lyrische Phrasen werden von rhythmischeren Tonhöhenanstiegen und -abfällen unterbrochen. Der Satz endet mit Pizzicati, die man fast als schelmisch oder gar beängstigend bezeichnen möchte, die uns jedoch in gespannter Erwartung zurücklassen. Der nächste Satz, Andante assai, gehört zu den schönsten Kompositionen für Violine. Eine schmerzhafte, gequälte Meditation, deren intensive Wellen dennoch auf der Erde verbleiben, während sie den Himmel anflehen. Hier ist Oistrach meisterhaft. Aus seiner Violine, aus seiner ganzen Person, die so eng mit ihr verbunden ist, bringt er eine fast mystische Inbrunst zum Ausdruck, mit einer Zeitlosigkeit, die mit harmonischer Reinheit verwoben ist, wie sie nur wenige Musiker mit solcher Anmut erreicht haben. Das Finale, Allegro ben marcato, kehrt zu dem eher ironischen Stil zurück, den Prokofjew so liebte. In diesem rasenden, extravaganten Tanz mit seinen spanischen Anklängen – das Werk wurde in Madrid uraufgeführt – überrascht uns der Komponist mit Kastagnetten. Oistrach und Sanderling machen das Beste aus diesen bunten, funkelnden Einfärbungen, die vom Publikum begeistert gefeiert wurden.

Am 25. Mai 1956 dirigierte Jewgeni Mrawinski das Leningrader Philharmonische Orchester an der Berliner Staatsoper. Seit 1938 hatte er das Orchester zu einer Blütezeit in der Interpretation vorwiegend russischer Komponisten wie Tschaikowski und Schostakowitsch geführt. Sein Stil war unverkennbar. Mit einem vulkanartigen Klangausbruch forderte er das Orchester auf, alles mitzureißen, was sich ihm in den Weg stellte. Es war genau dasselbe Orchester, das das Konzert ein Jahr zuvor uraufgeführt hatte. Dem Zensurdruck des Propagandaministeriums ausgesetzt, war das Werk seit seiner Entstehung im Jahr 1948 unter Verschluss gehalten worden. Oistrach selbst hatte Änderungen vorgenommen, die der Komponist begrüßte. Kurz gesagt, es war das Konzert eines Kampfes, und niemand konnte besser darüber sprechen als Oistrach selbst. „Der erste Satz, die Nocturne, ist eine Welt tiefer Reflexion. Ich würde es als eine Aufhebung von Gefühlen bezeichnen. Hier gibt es keinen offenen Ausdruck von Leid; alles scheint im Inneren verborgen zu sein.“ Die Violinstimme drückt Bedrängnis aus. Sie ist düster und introspektiv, und im Hintergrund sind Anklänge an ein Dies Irae zu hören, das von Mozart inspiriert sein könnte. „Teuflisch“ ist das Wort, mit dem Oistrach den zweiten Satz beschreibt. Und tatsächlich stürzt er sich in ein nervöses Allegro, dynamisch getragen von Mravinskys Orchester. Das Andante ist von monumentaler Größe und ähnelt in vielerlei Hinsicht dem ersten Satz von Beethovens Fünfter Symphonie. Die Violine ist allgegenwärtig, im Dialog oder im Kontrast zu den verschiedenen Orchesterstimmen. Oistrach ist ruhig und majestätisch, hat die Situation vollständig unter Kontrolle, bis zum Beginn der transzendenten Kadenz. Die Pausen gewinnen ebenso viel Ausdruckskraft wie die Noten, wenn nicht sogar mehr. Wir vergessen die schillernde Technik der linken Hand des Geigers, um uns ganz auf das Drama zu konzentrieren. Dann gibt es, ganz außergewöhnlich, einen vierten Satz. Das Finale ist Slapstick, wild burlesk, und Oistrach und Mravinsky führen es zu seinem Höhepunkt.

„The Lost Recordings“ ist stolz darauf, diese wunderbaren Konzerte – aufgenommen am 19. April 1971 und am 25. Mai 1956 an der Deutschen Staatsoper in Berlin sowie am 8. März 1965 im Metropol-Theater, Berlin – als Doppel-UHQCD in audiophiler Referenzqualität präsentieren zu können. „The Lost Recordings“ wird weltweit für die Bewahrung unschätzbaren musikalischen Erbes und für die unübertroffene Qualität seiner Phoenix-Mastering™-Restaurierungen gefeiert.